Proceso de composición — Contrastes de color
Este curso era para mí uno de los mayores desafíos, principalmente por el hecho de ser alguien que pocas veces en el pasado se interesó por el color. Normalmente mis dibujos y trabajos eran a lápiz, carboncillo, o algún material que me permitiera trabajar el claroscuro en escala de grises, así que sólo en limitadas ocasiones tuve el interés y la oportunidad de estudiar la teoría del color. Fue por ello que inicié el curso sabiendo que afrontaría un gran desafío. Es así como considero que estas primeras 5 semanas me han ayudado bastante en cuanto a la comprensión de los contrastes de color y las distintas oportunidades de composiciones variadas que ofrece la paleta de colores.
El curso inició con un repaso de lo que habíamos visto el ciclo pasado, pero orientándolo en un ámbito diferente. En el primer ciclo las composiciones que realizábamos eran meramente prácticas, es decir, no tenían un trasfondo o un concepto sobre el cuál partíamos, eran meramente una demostración técnica, por lo que a veces cuando te quedabas atorado o sin ideas, era difícil innovar con nuevas ideas o distribuciones en el espacio. Sin embargo, en esta ocasión teníamos que trabajar con conceptos opuestos.
El trabajo con conceptos opuestos me entusiasmó en un inicio, pero me preocupó después. Como mencioné antes mi falta de practica con el color y la distribución en el espacio me había llevado en muchas ocasiones a generar estructuras similares en mis composiciones, por lo que para el trabajo de conceptos opuestos no solo tendría que aplicar un contexto distinto, sino que el trabajo de fondo y forma debía contrastar entre ambos.
Mi exploración de ideas — Primer trabajo
Durante la primera sesión de clases presenté un tema que hablaba del “privilegio”, una palabra que a simple vista parecía muy general, ya que no especificaba directamente si iba a hablar de un privilegio económico, social, psicológico o material. Caí en la cuenta de que muchas de estas variaciones del concepto podían llegar a ser subjetivas, ya que se entraría en el debate de, ¿Qué es específicamente un privilegio? y ¿A partir de qué punto se puede decir que una persona es privilegiada? Es de esta manera que decidí evaluar estos mismos tipos de privilegio que planteé, para finalmente decidirme por “Privilegio Social”. Esta exploración se ejemplifica de manera más objetiva en el siguiente mapa conceptual.
En el mapa más que nada especifico el porque el concepto definido es el más objetivo posible, ya que es uno existente y genera grandes contrastes en las clases sociales, por lo que puede ser representado de una manera coherente.
Tras realizarlo decidí que la forma que tendría mi obra sería una predominante de líneas envolventes y en lo general colores cálidos. También que tendría varias figuras definidas. El formato aún no lo tenía claro, sabía que la inclinación sería vertical, pero no estaba seguro si debería hace un ajuste o recorte.
Aunque en un primer momento mi idea era que fuera un contraste de claroscuro, una manera de representar como los miembros de la alta sociedad son absorbidos por sus ambiciones y deseos mientras que el resto de la población es minimizada y olvidada. Mi primera idea era representar una hegemonía capitalista, esto mediante algunos elementos de importancia para este tipo de sociedad, como lo son los billetes, monedas o algún elemento que denote el consumismo. Sin embargo, ere serpia un concepto que cambiaría con el tiempo.
Investigación y referentes
En un inicio tenía una vaga idea de cuál sería la estructura que tomaría, no quería una obra abstracta pero tampoco definir las figuras de las personas de una manera realista, así que que inmediatamente se me ocurrió que podría tomar a referentes pertenecientes a la vanguardia. La idea era que aquellos que elija me ayudaran en ambos trabajos de conceptos opuestos, ya que si bien quería que se diferenciaran, al menos buscaba que tuvieran una estructura que inconscientemente los relacione.
Recordé que las 2 corrientes que trabajaban con elementos distorsionados y adaptados a figuras geométricas, eran el Futurismo y el Cubismo. En cuanto al cubismo, no podía tomar una influencia total de esta corriente ya que sus obras por lo general no son muy dinámicas, es decir, si establecen puntos de tensión, y una jerarquía de elementos, pero el hecho de que por lo general sus elementos sean formas geométricas, impide que exista un dinamismo mediante el fondo y las formas. Es ahí en donde aparece el Futurismo, cuyo concepto y teoría se basa en exagerar el movimiento, mediante colores sumamente saturados, y si bien las direcciones visuales se encuentran más demarcadas, la idea de mi concepto no es mostrar el dinamismo, sino a la persona en un proceso en el cuál es absorbida por su propio estilo de vida y apreciación de la realidad.
Es así como se me ocurrió que podría combinar las formas geométricas y la manera de distorsionar cuerpos del cubismo, con los tonos saturados y las direcciones visuales que establecía el Futurismo. Con esta idea en mente solo debía investigar sobre los referentes para encontrar como orientar este trabajo.
Giacomo Balla
Fue un pintor que pasó de representar escenas nocturnas y algunos paisajes a adaptarse a los escritos de Marinetti a inicios del Siglo XX. fue un pintor que con el paso del tiempo fue eliminando de sus obras cualquier referencia figurativa hasta quedarse en la abstracción, por lo que tomaré como referencia únicamente su etapa futurista.
Una pintura futurista pero perteneciente a un subgénero abstracto. Lo que más tomo de Balla en su época futurista es la capacidad que tiene para usar formas geométricas, en especial en esta, la cuál es un contraste de claroscuro, no requiere de muchos elementos para establecer un punto de tensión y una dirección visual. Claro, mi idea no es usar un estilo tan minimalista, pero la construcción de su obra me da una buena referencia.
Sin embargo, el aspecto minimalista no me daba una idea de como podría aplicar figuras en un espacio abstracto, es decir, no hay rastro alguno de que quiera representar a una persona o un objeto en particular, algo que según el concepto que ya expuse, no se adecúa mucho a lo que busco. Ello me llevó a tomar como referencia otra de sus obras.
A diferencia de la pintura anterior, a pesar de la intensión de denotar dinamismo, se puede apreciar claramente que lo que Balla quiere representar es el movimiento de los barcos sobre el agua. Mediante un contraste de cálido/frío y a la vez de claroscuro, Balla se ayuda de los tonos oscuros en contraste con el blanco para generar un punto de tensión más relevante que el resto, pero de un contraste cálido/frío para dar un ambiente general a la obra, esto ejemplificada en la zona inferior, si bien la intensión de Balla de usar tonos oscuros fue adrede, me dio una idea sobre como jerarquizar una zona en mi composición.
Marc Chagall
Chagall es considerado un artista al cuál no se le puede encasillar en un estilo artístico definido, ya que su obra tiene desde semejanzas con el surrealismo, hasta el cubismo y la vanguardia rusa, sin embargo, uno de los cuadros que más me llamó la atención fue “El violinista verde”, el cuál pondré a continuación.
Este es un cuadro, el cuál Chagall considera que representa la nostalgia, la melancolía, lo pintó al volver a París tras un largo viaje a Rusia. Me llamó la atención el cómo es una persona representada mediante un estilo cubista, pero se aleja a cualquier otra representación de una figura humana que haya visto de esa corriente artística. En especial tras haberme acostumbrado un largo tiempo a apreciar a Picasso como el máximo exponente cubista me llamó la atención de que sea un personaje con una figura bien definida y no tan abstracta.
Si bien en un inicio no consideraba hacer un contraste de saturación, una vez que tomé esa idea esta obra se volvió un referente aún más importante todavía, por el hecho de establecer a la persona como el punto de mayor saturación y al resto del fondo como elementos desaturados.
Proceso creativo
Como se puede apreciar, en un inicio mi paleta era muy amplia y la idea de claroscuro estaba en una etapa muy básica, todavía no acababa la obra pero se podía observara como la parte izquierda todavía carecía de una construcción , aunque se podía ver como ya con lápiz había hecho el bosquejo de algunos elementos, entre los que se encuentran un candelabro, y algunas personas abstractas en la zona izquierda. Mi idea era que la franja verde de la izquierda sea un billete, claramente no representado como tal, pero con algunos indicios.
Mi composición estaba todavía en una etapa muy precaria, ya que ni siquiera había aplicado el contraste en sí, por el momento solo había distribuido tonos a lo largo del formato, sin haberles proporcionado una jerarquía mayor a la del contraste del rojo con el amarillo.
Debo admitir que en un momento del proceso perdí el rumbo, no sabía que tonos poner, y se me presentaron los problemas que detallé en un inició, por lo que casi de manera automática terminé poniendo tonos rojos a lo largo de todo el formato, tonos que se hicieron rosados y no encuadraban muy bien. La zona izquierda terminó teniendo únicamente figuras alargas y de tonos intensos que poco o nada ayudaban a integrar la compo. Se sentía un poco desencajada así que si quería que funcione tenía que hacer cambios drásticos, y eso definitivamente incluía cambiar el tipo de contraste de color que iba a usar.
Esta fue la versión final de mi trabajo. Como se puede apreciar, los cambios fueron sumamente drásticos. Opté por generar un contraste de saturación. Recargué a la figura principal de elementos y sobre todo orienté la paleta de colores a algo más diverso. Esto probablemente lo cambie más adelante ya que la desaturación en sí no está muy presente.
Aquello que me motivó a generar más elementos ortogonales en la zona izquierda fue el concepto. La idea que la persona de una clase social elevada es indiferente a una sociedad fracturada, que se encuentra sumisa y absorta en su propio sufrimiento. Por ello parece que el suelo absorbe a las personas, mientras que estas estiran su brazo en busca de ayuda. Mientras esto sucede, la persona central se encuentra sumergida en su propia realidad, que es representada por los colores saturados, algo que ella ve como alegre y estable, y empieza a ser consumida por sus propias ambiciones y su estilo de vida privilegiado. Me agrada también el concepto de que los personajes secundarios se encuentren rodeados por líneas ortogonales, que parecen encasillarlos y limitarlos.
En cuanto al aspecto técnico, me parece que puedo desaturar todavía más los elementos que se encuentran a la izquierda de la mujer, esto para favorecer un recorrido visual diagonal que se dirija hasta el extremo medio izquierdo.
Como se puede ver esta versión mejorada, corregí algunos de los errores que había enumerado de manera previa, entre las correcciones se destaca que desaturé los colores de la izquierda, esto favoreció el recorrido visual, que empieza en la zona derecha de los espirales y se desplaza hasta los personajes secundarios de la izquierda. También desature bastante una parte que antes destacaba por ser realmente oscura, que es la de la curva inferior.
Tal vez algunas alteraciones que podría hacer serían reducir la cantidad de tonos en la paleta de colores, ya que esta se desplaza desde tonos azules hasta naranjas, y esto evita un poco que se aprecie de por sí el contraste de saturación. Pero en lo general fue una primera composición que me ayudó a entender un poco más sobre el uso del color, aprendizajes que considero se ven representados de manera más clara en las siguientes obras.
Mi exploración de ideas — Concepto opuesto
Una vez cerrado el primer trabajo me sería mucho más sencillo empezar con el segundo, no solo porque ya sabía que estructuras no repetir, sino que tendría mucho más claro cuál sería el opuesto en concepto. En el primero buscaba representar el privilegio social, con el desarrollo me di cuenta que la manera de mostrar esto era mediante la indiferencia, aquella perteneciente a la clase privilegiada. Fue así que llegué a la conclusión de que la mejor manera de representar un opuesto sería mediante la necesidad económica, aquellos personajes que fueron secundarios en la primera composición serían ahora los principales, y la manera de representar esto sería mediante la reacción, es decir, el accionar que tomaban ante la opresión, claro que esta definición del término apareció ante mí después de realizar el mapa conceptual.
Mientras que los screenshots en Jamboard me ayudaron a determinar cual sería el contexto sobre el que aplico la idea
Mientras que la primera composición fue realizada en un formato cuadrado, con la intención de mostrar que tan encasillados y limitados estaban algunos sectores de la sociedad, la segunda sería en un formato alargado, además que favorecería a la expresión de mi concepto y a la idea de trabajar con conceptos opuestos. Como la idea era centrarme en representar a una clase marginada de la sociedad, interpreté que para que pasen de un estado de neutralidad a tomar cartas en el asunto y buscar su propia validación como personas, tanto su estado mental como su ideología debía estar alborotada, debía presentar contrastes directos e intensos, por ello es que la idea del collage se adecuaba más a esta composición que a la anterior, además que el contraste usado sería el de colores complementarios.
Investigación y referentes
Tras un poco de investigación me di cuenta de la capacidad que existía en la yuxtaposición del color para representar siluetas, y como a la vez podría mostrar el ruido y las tonalidades. De manera que se me ocurrió una manera ingeniosa de usarlas para generar un primer plano, además que debía ser una obra un poco más minimalista para contrastar de mejor manera con la primera composición, que se encontraba cargada de elementos.
Para esta obra pensaba usar de nuevo a referentes cubistas, sin embargo el futurismo no sería de ayuda ya que no pensaba representar un dinamismo demarcado de por sí. Pensaba un poco más en inspirarme en un cubismo más abstracto. En otras palabras, el rayonismo.
El rayonismo es una corriente artística inspirada principalmente en los rayos de luz. Tomó el dinamismo del cubismo para reformarlo en una estructura más geométrica, pero con líneas más delgadas y dispersas. Su inspiración estuvo dada por las luces ultravioletas y aquello vinculado a la radiación.
Mijaíl Larionov
Uno de los más importantes líderes de la vanguardia rusa, se caracterizó por pertenecer a numerosas y variadas corrientes artísticas. Pero como ya lo mencioné previamente, es su trabajo con el rayonismo el que tomaré en cuenta. Empezando por su obra “El Gallo” de 1912.
Si bien no trabaja el concepto de yuxtaposición como bien habia mostrado interés antes, si emplea de manera fenomenal a las líneas diagonales, generando armonía dentro del alboroto. Me agrada la manera en la que con formas tan irregulares da la ilusión de la existencia de un animal dentro del formato. Aunque si bien el animal representado parece más un ave fénix que un gallo, entendí que las líneas diagonales pueden ser usadas para generar una dirección visual envolvente. A pesar de estos aspectos positivos, no hay mucho uso del fondo, por lo que no puedo hablar mucho de la integración entre este y la forma. La manera en la que usa tonos muy saturados y genera variantes de color para que cada zona se sienta distinta es también muy buena.
Esta pintura contrasta casi por completo con la anterior presentada, a excepción por la paleta de colores usada. Con este cuadro Larionov nos muestra que su obra no se basa solo en pinceladas, sino que también puede usar determinadas formas, si bien no trabaja con un contraste de colores complementarios como yo pienso hacer, si trabaja más el fondo que en su anterior composición, aunque este parece más relegado a segundo plano que incorporado de manera directa. El hecho de que en este se usen líneas ortogonales favorece el sentido de que la intención del autor no es encuadrar a los elementos en un formato. La diferencia es que en esta pintura la dirección visual no se encuentra bien definida, es decir, la atención es captada por los elementos oscuros de la zona inferior, en lugar de los tonos rojos saturados, esto no está mal pero desperdicia el potencial de su distribución de espacio general, reduciéndola a algo secundario.
Proceso Creativo
Al momento de empezar esta obra me di cuenta que para que contraste más con la anterior, el fondo debía desvincularse un poco de los elementos del primer plano, por lo que decidí trabajarlos por separado. El concepto general sobre el cuál partía mi obra era la reacción realizada por las clases marginadas, los campesinos. De manera que la pintura trataría de representar la acción de un campesino sobre un lugar, este no necesariamente tiene que ser o representar a una persona privilegiada, sino que esta vez sería un ataque hacia su propia forma de vida, la representación de la inconformidad planteada tras un concepto de necesidad económica. El campesino rechaza su elemento principal, la tierra, al tomar conciencia sobre la realidad de su situación y que la sumisión y la conformidad es generada por ellos mismos. Por ello considero que el trasfondo dado en el mapa mental es preciso, ya que el movimiento maoísta se basaba en la reinvención social del campesino para un empoderamiento de la clase social marginada.
Para ello decidí que haría al campesino con líneas diagonales, en su mayoría estarían apuntando hacia abajo, y vagamente darían la impresión de ser una persona, pero una de contextura ancha, esto para reforzar no solo la sensación de alguien imponente, sino que representaría también toda la carga interior que llevan. El fondo representaría al campo, este sería mucho más fluido, principalmente porque no lleva la carga de los campesinos, únicamente es la herramienta sobre la que se trabaja, por lo que intentaré que la dirección siga el mismo camino que el primer plano, pero mediante formas envolventes.
En un inicio se puede apreciar que todos los tonos, tanto rojos como verdes son los mismos, pero no es porque así vaya a quedar la obra, sino que para facilitar el trabajo pinté toda una hoja A3 del mismo color, y a partir de esa hice los recortes. Me resultó más fácil hacerlo de esta manera porque así podía ir posicionando los elementos donde deseara, y ya después, cuando la distribución me convence realizar las mezclas y re pintar sobre donde necesito. Sin embargo para no perder el ritmo trabajé el fondo a la par que el primer plano, solo que para la fotografía decidí separarlo en 2.
En cuanto al primer plano trabajé bajo el mismo concepto de usar un matiz similar primero, y hacer las variantes del tono después. Además fue en esta zona en donde considero que la influencia de Larionov está más presente. Tal vez no uso el dinamismo ni los colores saturados, pero si me ayudó a establecer la idea de las diagonales generando una forma. Siento que para transmitir el concepto todavía le falta un poco más de agresividad, pero eso es algo que podría añadir después.
Esta es una superposición realizada digitalmente, ello porque todavía no había definido detalles, y los segmentos no se encontraban pegados todavía así que que no quería arriesgar a distribución en el espacio. Son las mismas 2 imágenes anteriores así que no hay muchos detalles que añadir en cuanto a progreso.
De los principales cambios, además de que logré completar el fondo con más variantes de verdes, también hice lo mismo en el primer plano, con los diferentes tonos azulados y anaranjados. El resultado final no fue el que esperaba pero considero que pude equilibrar bien el concepto de contraste de tonos complementarios.
Para unas siguientes modificaciones consideraría hacer que los tonos verdes que están directamente vinculados con la parte central, es decir, que se encuentren atrás, sean más amarillentos, para permitir darle más relevancia a esta zona.
Estímulos musicales
Tras haber terminado de manera satisfactoria los 2 primeros trabajos, no solo había mejorado mi manejo de conceptos y contrastes, sino también mi habilidad para los trazos con pintura, por lo que una vez que se nos comunicó esta actividad yo ya me sentía listo, esta se trataba de usar a algunas piezas sin sonidos vocales como inspiración para otras 3 composiciones, las primeras 2 debían estar basadas en 2 sonidos que los profesores nos brindaron, y la tercera ya venía a ser elección nuestra.
Para iniciar se nos brindaron 7 distintas piezas musicales, y sobre estas teníamos que hacer bocetos e indicar cuál era el contraste de color que usaríamos para cada cual. En mi caso preferí hacer los bocetos con estilógrafos, ya que estos me permitían generar tonos fuertes rápido, los cuáles evidentemente con pintura serían aquellos de mayor importancia.
Debo admitir que las piezas musicales escogidas fueron de mucha ayuda, cada una daba un ambiente diferente y cada ritmo era independiente del otro, esto favorecería a que mis bocetos sean lo más diferente posibles uno del otro, y así fue.
Esta pieza me produjo una sensación como de engranajes, como piezas sueltas que van cayendo y rebotando, reforzado con un sonido vocal que hacía fluir la pieza musical, además de tener pausas para luego retomar con fuerza. Sentí que el proponer un contraste de claroscuro sería preciso, en especial si trabajaba con una paleta de colores fríos, desde celestes hasta violetas. Fue sin duda uno de los bocetos que desde un inicio más me gustó, estaba casi decidido de que sería este el que emplearía.
Esta es una de las piezas cuyos sonidos son más alegres, además de fluidos, fue por ello que me pareció apropiado que las formas envolventes fueran las que primen en esta composición, ya que permitían que la vista se mueva alrededor del formato de manera fluida.
Este también fue uno de los bocetos que a primera vista me convenció, en particular porque tenía mucho potencial en cuanto a matices, debido a la pieza musical en la que estaba basada. Esta era una alegre, que tenía algunos sonidos saltones como Luzmila Carpio (por ello se puede ver que hay algunos elementos que se asemejan en cuanto a forma). Los sonidos se asemejan a los de un festival, por lo que usar tonos amarillos, y rojos, y contrastarlos con azules y verdes cuadraría de buena manera.
Es una pieza musical igual de fluida que Manongo Mujica, con sonidos del viento de fondo, interrumpida solo a veces por un silbido o un golpe directo, y por ello la interrupción de formas ortogonales en el formato. De por sí no fue un boceto que me agradara mucho, sentí que no había sido muy innovador, aunque también caí en la cuenta de que la pieza musical no tenía mucho para ofrecer.
Esta es tal vez la pieza musical más agresiva de todas, y sin dudas, la cual más potencial desperdicié, tal vez fuer la hora en la que hice el boceto o el momento pero siento que no capto la intensidad de la canción, el ruido el tono de suspenso se ve limitado únicamente por líneas dispersas por el espacio que parecen no ir a ningún lado. En cuanto me di cuenta de que tan desaprovechado se encontraba el potencial ya era muy tarde, ya había empezado con los trabajos generales.
Estos fueron los bocetos preliminares. Sentía que mi trabajo con los primeros 2 opuestos había sido bueno, pero sentí que necesitaba una mejor manera de explorar la técnica, así que usaría estos con estímulos musicales para obtener un mejor resultado. Fue así como elegí trabajar “Hacedor de lluvia” como mi primera composición.
Hacedor de lluvia
Investigación y referentes
Desde un inicio ya tenía pensado que el estilo de la obra sería con pinceladas, era consciente que en pintura este efecto es más limitado, a excepción de algunos materiales como el óleo. Y a pesar que el resultado no sería el mismo encontré varias similitudes entre lo que quería hacer y la corriente impresionista, el cómo la época les había llevado a generar distintos contrastes al obtener pigmentos más saturados debido a la tecnología de la época, y sobre todo me llamaron la atención un par de obras de Vincent Van Gogh, estas son “La noche estrellada” y “Noche estrellada sobre el Ródano”.
Esta es tal vez una de las obras más famosas de la historia, y si bien no soy un fiel seguidor de Van Gogh no voy a negar que muchas de sus obras si tienen un buen acabado. Lo que más me llamó la atención de esta fue el manejo del claroscuro, además de parecer la superposición de un plano real sobre uno fantástico, en donde prima el fantástico, es clara su intención de marcar las líneas curvas como el principal punto de atención de este cuadro, mediante un recorrido visual diagonal. Los tonos oscuros no tienen una participación tan relevante a excepción de la pieza central hacia la izquierda, ya que el resto de las casas y el campo puede pasar desapercibido si uno no presta toda su atención.
Lo que más podría rescatar de esta pintura es el hecho de establecer una zona clara y que el resto de área que lo bordea sea circunstancialmente más oscuro hasta llegar a una zona en donde la carencia de luz sea completa. También me agradó la paleta de colores que genera un conflicto entre el amarillo y el azul, pero claro, dejando al primero en segundo plano.
En cuanto a la paleta de colores se podría decir que es casi la misma a la usada en “La noche estrellada”, sin embargo, en esta ocasión se puede apreciar mejor el contraste de claroscuro, además que que la composición ya no solo es clara en un solo punto, sino que a lo largo del formato se distribuyen distintos niveles de luminosidad, generando a mi parecer un atractivo mayor. Me agrada también la manera en la que Van Gogh maneja los azules oscuros, sin embargo, yo optaré por aumentar la cantidad de colores de la paleta, incluyendo tonos violetas.
Proceso
Como se puede ver, en un inicio mantuve muy fiel el concepto planteado en el boceto. Si bien esto funcionaba para el fondo, que la verdad tenía un buen uso de tonos y una transición del claro al oscuro un poco forzada pero efectiva, el primer plano no tenía el impacto deseado, el hecho de que los colores fueran saturados podía confundir sobre cual era el contraste de color usado para la composición, además del hecho de que se generaba un contraste muy similar entre claro y oscuro al menos en la zona izquierda. También había presencia muy demarcada de elementos que no hacían más que estorbar y confundir al espectador sobre cuál era la tensión visual, dentro de los cuáles se encuentran las franjas anaranjadas y amarillas, que además repetían el contraste. También se me indicó que las formas que pegué con collage eran muy similares en tamaño y morfología, en otras palabras, parecía que los elementos del primer plano no estaban incorporados del todo con el fondo y esto evitaba una apreciación en conjunto. Es decir, si había establecido una jerarquía de zonas, pero el recorrido visual estaba todavía muy estancado.
En un afán por corregir los contrastes similares en la mayor zona de interés terminé añadiendo más tonos en la zona inferior izquierda, y obteniendo nuevos matices de violetas, lo cuál fue beneficioso en cierto punto, ya que extendía de mejor manera la aplicación del contraste de claroscuro, pero que solo hacía ver a la parte del collage mucho más estancada, si bien intenté corregir algunas zonas me fui dando cuenta que toda la compo por partes parecía tener el mismo grado de oscuridad, se había perdido la idea de una zona clara, pero la mejor manera de representar para mí la esencia de la canción era mediante estos cambios drásticos de tono, sin embargo, si seguía por ese camino, mi trabajo no llegaría a ningún lado. Si había hecho progresos, como el arriesgarme a dar pinceladas sueltas en lugar de definir formas, ello me permitía hacer mezclas de color mientras pintaba pero todavía me faltaba perfeccionar más la técnica para que el contraste de claroscuro quede como tal.
Fue en un momento de frustración en el que vi mi pintura y me di cuenta que para que funcione en armonía tenía que cambiar por completo la estructura, quitar varios elementos. Y el resultado fue el siguiente.
Decidí en base a la última corrección que me hicieron que para integrar toda la composición tendría que aclarar de una manera mucho mayor toda la zona izquierda, para ello me di cuenta que había exagerado con la cantidad de líneas ortogonales oscuras, en lugar de generar tensión más bien perjudicaban, tenían tonos demasiado oscuros en comparación a como llevaba el fondo.
Mi idea para ello vino en el momento en el que arranqué la franja roja que se encontraba en la izquierda, aunque en su momento la acción fue más por estrés, me di cuenta que la textura rasgada lograba incorporarse bastante buen con el fondo, y que además me daba un tono que una pincelada no podría. Fue así como comencé a retirar otros fragmentos que en las versiones iniciales estorbaban, de igual manera empecé a limpiar el fondo de una aglomeración de matices en la zona más clara. También acentué la oscuridad en una zona específica en un lugar de toda la franja derecha de la composición, esto permitiría que la dirección visual no sea en una línea horizontal, sino más envolvente. Lo bueno de las pinceladas directas y de mezclar colores de frente en el formato es que me permite obtener más matices que mezclando en una paleta de colores.
Siento también que con esta última versión mi paleta de colores quedó mucho más definida, en ello si mantuve mi propuesta original, en la cuál establecía que usaría colores fríos en su mayoría, entre celestes y violetas, aunque claro que hay un leve uso de amarillos y verdes, pero estos son únicamente para aligerar la tensión.
Considero también que fue un gran progreso en comparación a las 2 primeras composiciones, aunque fue un proceso complicado creo que logré separar el fondo y los elementos pero aún así hacer que se sientan parte del mismo ambiente. Con un manejo mayor de los matices y del claroscuro creo que fue uno de mis trabajos más logrados.
Luzmila Carpio
Esta fue la segunda canción que escogí para llevarla a un trabajo concreto, aunque no fue precisamente por mi boceto, ya que si bien el hecho de que sea en vertical generaba una variación de formato que ya se hacía necesaria en mis trabajos, la manera en la que había distribuido los elementos no me convencía, además de mencionar que algunos eran muy similares a los presentados en “Hacedor de lluvia”, no fue sino hasta que hice las últimas modificaciones en este que ya estaba listo par trabajar el nuevo. La principal razón por la cuál me animé a representar este boceto fue por la canción en la que se inspiraba, como ya mencioné antes, consideraba que tenía un gran potencial tanto en forma como en tonos. Pero aún debía investigar un poco y tomar algunos referentes para decidir como sería la estructura.
Investigación y Referentes
Luzmila Carpio es una artista boliviana, cantante de música andina, se puede apreciar un estrecho vínculo entre la cultura de su país y sus piezas musicales, el aire de festejo, los cantos alegres y el optimismo que transmiten sus canciones, todo como un conjunto de sonidos alegres. Por lo que para generar un trabajo que rescate no solo los sonidos, sino también la cultura, quise tomar como referente a la cultura chicha.
Por cultura chicha se refiere a la cultura popular, colores extravagantes, especialmente surgida por la fusión entre la cultura andina y la cultura costera. Esto la ha convertido en una corriente artística con mucho potencial, especialmente cuando no se orienta únicamente a publicidad, sino cuando se le da un trasfondo más artístico. Es una cultura que no ha sido desaprovechada por los artistas peruanos, quienes tienden a usar los extravagantes colores para aplicarlos en sus trabajos. Es así como llegué a explorar el trabajo de Eliot Tupac.
Tupac es un artista peruano que no tuvo una educación formal artística pero que se ha convertido en uno de los grandes exponentes del arte urbano. Habiendo orientado su trabajo a la serigrafía y la tipografía con colores extravagantes me pareció una gran idea el tomarlo como referente para mi trabajo. Su trabajo con contrastes de colores cálidos/fríos, y tonos saturados me parecieron un buen referente para la elección de mi paleta de colores.
Si bien no planeaba imitar su estilo de pintura, ni sus formas su trabajo me sirvió para observar con mayor detenimiento los colores, y que no necesito desaturarlos para generar un contraste atractivo. En lo particular me agradó la relación que establece entre los amarillos y los violetas, la fuerte sensación que estos generan , así que estoy consideran usar ello para establecer mi punto de tensión central.
Proceso
De igual manera como hice en la composición anterior, empezaría pintando fondo, primero sería con pinceladas largas para generar un contraste mínimo de cálido/frío, es decir, la parte inferior la pintaría de amarillo mientras conforme subía hacia una transición al verde/celeste. Claro que para mayor diferenciación del anterior este tendría que ser un celeste verdoso.
Tras esta primera pincelada general el trabajo no tenían un gran atractivo visual, claro, solo representaba una transición de un color a otro, pero conforme fui avanzando sentí que el resultado sería bueno.
La primera decisión que tomé fue que el punto de tensión estaría en la zona inferior, en donde habrían contrastes de azul con amarillo, o rojo con amarillo y verde. Los colores que usaría serían saturados y los verdes tendrían que estar lo más azulados posibles para que contrasten con mi segunda composición. La elección de la paleta fue complicada, ya que hasta cierto punto había usado una gran variedad de colores a lo largo de la semana, por ello intentaría que las tonalidades sean intensas y que en la distribución de elementos sea una obra innovadora.
Este era el trabajo en una faceta muy inicial, no estaba terminado ni el fondo ni los elementos del primer plano. Incluso dentro de estas escasas formas las líneas eran repetitivas y los tonos también, la transición de amarillo a verde aún estaba muy forzada a excepción de la zona derecha y los tonos celestes de la zona superior no parecían aportar mucho. sin embargo considero que desde un inicio la paleta de colores fue acertada ya que me trasmitía una vibra muy similar a la de la pieza musical, cantos alegres, saltos, el sonido del güiro (el instrumento musical), transmitía la sensación de alegría y festejo.
Para la elección de la paleta debo admitir que tuve cierta inspiración de los carteles chicha, si bien estos en su mayoría son un contraste de color en sí mismo, pueden ser trabajados también para dar una sensación de cálido/frío. De estos tomé más que nada la relación que hay entre los violetas y los amarillos. Pero a pesar de que me agradara el como podía inspirarme de estos carteles, y de aquella cultura artística en general, debía mantenerme lo más alejado posible del contraste de color en sí mismo.
La foto previa es una muestra del concepto en sí ya terminado y con la mayoría de elementos ya definidos. De los principales cambios que planteé se encuentran el largo de las líneas, el cuál hice que no se limitara únicamente al formato, también el grosor de estas, ya que si bien todavía no es muy variado si pienso seguir modificándolo hasta que genere una diversificación mayor. También opté por darle distintas variantes de tono al verde, desde algunos más azulados a algunos cercanos al amarillo, en lo personal considero que todavía hay algunos sectores que tienen más peso que el que necesitan, como la franja roja izquierda. También sentí que me faltaba integrar un poco más los colores, faltaba un poco más de verdes fríos en la zona inferior al igual que un poco más de cálidos en la zona superior, la pintura estaba más integrada pero aún faltaban varios aspectos.
Los cambios que necesitaba eran definitivamente aquellos del grosor de línea, ello me ayudó a diversificar más y acercarme a una representación más exacta del sonido del güiro. Como mencioné previamente también añadí algunos tonos anaranjados en la zona superior y amarillos. Y una vez realizados esto cambios creo que podría acentuar más los celestes.
Me agradó bastante el resultado de esta composición, siento que esta con la de “Hacedor de lluvia” ayudaron a diversificar mi trabajo, haciendo que rompa mi esquema de tener todo calculado y en un orden, a soltarme más con el pincel y sobre todo generar contrastes de color atractivos, mucho más que los primeros 2 trabajos que hice. Aunque a partir de haber terminado esta fue que empezó mi preocupación, ya no me quedaban muchos tonos y la siguiente composición debía ser contraste de color en sí mismo, debía hacer que se sienta única a pesar únicamente poder usar unos 6 o 7 tonos. además debía ser en collage (que basado en mi experiencia era mi técnica más débil). Sin embargo el hecho de que sea basado en una pieza musical de mi agrado podría ser de ayuda.
Giorgio Giordano — Amazzonia (David Tort Remix)
Desde hace unos 2 o 3 años me considero un fanático de la música electrónica, aunque este es un gusto que ha ido variando en cuánto a subgéneros, desde un inicio me había agradado más un estilo mucho más movido, con el paso del tiempo me fue agradando más el deep house, el electro swing, hasta que finalmente me terminó gustando más el latin house y el techno.
Cuando al inicio de la actividad se nos informó de que tendríamos que trabajar la última composición en base a una pieza musical de nuestro agrado ya tenía mis opciones, entre las cuáles se encontraban “Note Blanche” del dj N´to, la canción “La clé de Champs” del mismo artista, y finalmente “Noir & Haze — Around”.
El problema apareció cuando caí en la cuenta de que el único contraste de color que me quedaba era el contraste en sí mismo, esto complicaba mis opciones porque en lo general son canciones lentas, más que nada tienen sonidos tranquilos, y no se ajustaban a lo que transmite un contraste de color en si mismo, el cuál emplea colores saturados así que el resultado va a ser siempre intenso, de manera que me vi obligado a cambiar de pieza musical, de igual manera como la pieza musical anterior “Luzmila Carpio” me había ayudado a generar contraste de cálido/fríos al ser música andina, me di cuenta que podía juntar este concepto con la música electrónica, mediante el denominado su género “latin house”. El único problema que había con este tipo de canciones era que en lo cotidiano si dependía bastante de la letra para generar el ritmo, por ello es que algunas de mis canciones favoritas como “Strangers” de Yas Cepeda y David Tort, o “Empírico” del mismo Yas quedaron descartadas. Sin embargo tras pasarme un par de horas buscando la canción adecuada me topé con la canción “Amazzonia” de David Tort.
Investigación y referentes
En lo general me fue complicado hallar referentes que trabajaron con contrastes de color en sí mismos, pero no me fue complicado encontrar aquellos que trabajan con aglomeración de figuras geométricas, sin perder la armonía de estas en el camino, en otras palabras, volvía a tener como base de estudio a la vanguardia cubista. En lo general fue una obra de Picasso la que llamó mi atención, esta es “Ventana abierta a la calle Penthieure”.
Lo que más me llamó la atención es que si bien el formato no es irregular, es como si Picasso intentara darnos esta impresión, especialmente porque hay varias zonas obscuras al borde. Esta es una representación cubista en su máxima expresión, una visión abstracta de una calle. Pero más que nada me dio una idea sobre como generar contraste con colores en franja y no por pinceladas, algo que en mi primera composición no había llegado a lograr del todo, esta era mi oportunidad de reivindicarme en ese aspecto.
Proceso de realización
Esta canción usaba poco o nada voces de personas y por lo general no se articulaban palabras, además tener un aire a música andina pero con un bajo y tambores de fondo, de manera que me permitiría tener ritmos constantes y variados en un solo formato, así que procedí a hacer un boceto de como sería.
En un primer lugar comencé a hace la tensión visual de la izquierda, la que con varias figuras geométricas superpuestas, la idea para empezar esto me vino mientras apilaba los cuadrados del ejercicio de experimentación de claroscuro, el de la pared, que curiosamente se había mezclado con el ejercicio anterior de observación de la piel, cuando estos se aglomeraron me encontraba escuchando la canción y sentí que sería la representación precisa del bajo.
Conforme la canción avanzaba dejaba de ser monótona para tener variantes de tono interrumpida por vocales, y esta parte de la canción pasaría a ser el punto medio, en el cuál se ven las curvas y otras formas irregulares, que se encuentran cada vez más separadas. También pensé en añadir algunas zonas que asemejen a la parte izquierda pero con los elementos más separados, esto para representar como el ritmo de la canción no es del todo constante, sino que hay variantes. En lo personal considero que me será complicado realizar contrastes con tan pocos tonos y sin resultar repetitivo, sin embargo primero rellanaré el espacio general para luego realizar cambios si es que los necesito.
Con este primer avance buscaba más que nada determinar cuál sería el recorrido visual que seguiría, se puede ver como intenté seguir la idea planteada con los cuadrados previos, pero claramente con mayor variante de tonos. No tenía muy bien planeado cual iba a ser el fondo, solo me había tomado el tiempo de planear los elementos generales, pero si quería que en la zona superior hubiera un fondo verde, ello porque sentí que armonizaba mejor con la parte de la canción en la cuál hay voces. Fue mas o menos durante esta parte del proceso en la que entendí que para un contraste mayor podría usar un amarillo o anaranjado de fondo y sobre estos tonos rojos, azules o violetas para incrementar el contraste. También me agradó el cómo se veía el formato de manera irregular, sentí que esto se adecuaba no solo al tipo de composición que avanzo, la cuál es collage, sino que también al bajo que tiene.
Como mencioné antes, pensaba usar el amarillo y naranja como fondo, sin embargo, en los mismos comentarios sobre mi trabajo me recomendaron que no use tanto el amarillo para generar contraste, además de ser un poco repetitivo de otras composiciones, podía generar una distracción visual al estar cerca a tonos como violeta o el rojo, que son muy intensos en comparación. Entonces podría reemplazar el amarillo por el naranja para aminorar la carga visual. Fuera de ello (la zona derecha de la compo), considero que el resto está bien estructurado y que la dirección visual es comprensible. Creo también que para que se entienda que el formato es irregular y no es un error de pulso debería exagerar más los bordes.
Conclusiones
Mis principales dificultades en un inicio fue encontrar la manera de distribuir elementos en el espacio, el tener que limitar la cantidad paleta de colores por cada composición sin tener que ser repetitivo, en otras palabras lo más complicado fue innovar en cada trabajo buscando no ser repetitivo, ya que en cuanto a ideas siento que me fue bien. También encontré algunos problemas en cuanto al contraste de claroscuro, me tardó un poco entender el concepto y armonizar el conjunto. Sin embargo considero que con el paso de los trabajos logré generar mejores relaciones entre el fondo y la forma.
Considero que mi manejo del color ha mejorado exponencialmente gracias a estas 5 semanas, si bien terminando el ciclo pasado había empezado a entender un poco sobre esto, normalmente era en contrastes de saturación en lo que más había experimentado, sin embargo con este trabajo tuve que aprender a dar impresiones distintas con colores con la misma intensidad o a veces con el uso de blancos y negros, también poco a poco fui entendiendo más respecto a cómo limitar la paleta de colores para cada composición, no debía de explayarme mucho en cuanto a matices para no generar confusión en el espectador, y sobre todo a añadir un poco de cada tono para innovar en cuanto a mezclas. Mi dominio de zonas te tensión y direcciones visuales también se fue perfeccionando conforme avanzaba, y también fui encontrando nuevas formar para generar estas direcciones, ahora no solo me limito a líneas rectas y curvas, sino que voy entendiendo más respecto a todo ello. En lo general han sido unas semanas de bastante mejora personal y sobre todo de responsabilidad, ya que he tenido que volver a trabajar con limite de tiempos en una época como la que vivimos ahora, en la cuál la distribución de horarios es primordial. Espero que durante el resto del curso mi desempeño siga mejorando, al igual que mi habilidad.
